30.1.11
lo esencial, sí que es visible a los ojos.
este es el regalo que le mandé a mi padre para su último cumpleaños.
a última hora, como siempre, revisé rápida las fotografías de mi cámara de mi último viaje a chile.
hace ya un año atrás.
al no disponer de tiempo para enviar nada postal, decidí hacerlo virtual.
http://www.vimeo.com/19073464
21.1.11
#9_robert gober
valparaíso, noviembre 2009
de la serie: yo interpreto
(ejercicios visuales acerca de la relación entre arte y vida)
10.12.10
el proceso de creación, es tan solitario como enternecedor
hace meses buscaba encontrar un libro que me hiciera retomar la lectura. a veces, suelo ser selectiva. tengo debilidad por los libros pequeños y de letra grande, me gusta manejarlos con habilidad entre mis manos, y a veces juego con sus hojas. los grandes me cansan, pesan bastante y terminan siendo un tanto incómodos en varios sentidos.
aún recuerdo aquel primer libro pequeñito y de letras grandes que leí, se llamaba platero y yo. lo devoré durante varias mañanas, en el coche camino al colegio. sí, lo leí más de dos veces ya que el camino de unos 45 minutos, lo hacíamos a diario. me emocionaba ese libro y aún recuerdo aquel sentimiento tan enternecedor. el martes pasado, regresé a ese coche amarillo que conducía mi tía leticia en ciertos ochentas.
el proceso de creación es tan solitario como enternecedor.
entré a la librería aquel martes sin la posibilidad de elegir. iba en busca de uno gordo, largo y lento, olvidando que no me gustaban. no me resultó difícil cambiar de opinión. “cartas a un joven artista” de Nesbett, Bancroft, Andress (Ed.), delgado y de letras grandes. leí una de las cartas de su interior pensando en terminar de auto convencerme.
quisiera poder transcribir muchas de las oraciones que he subrayado, quisiera poder transmitir lo enternecedor del relato: un artista joven escribe a una interesante treintena de artistas consagrados una carta, pidiendo respuestas a sus preguntas a la vez que recomendaciones para su desarrollo en nueva york.
ayer se cumplió un aniversario más de la muerte de lennon y yoko ono es una de las artistas que responde una de estas cartas. mi frase subrayada dice así: “El mundo es tu ostra: te proveerá de material infinito para tu arte. Míralo de nuevo bajo este punto de vista. De pronto el mundo es un lugar diferente, interesante, hermoso y misterioso. Diviértete con él. Y comparte la diversión con nosotros”
mi estimado lauwrence weiner apunta que: "Si sientes que tienes algo que decir estás necesitando encontrar donde poder decirlo"
la carta firmada por kery james marshall es sencillamente genial y me ha costado elegir la frase a compartir: “ La motivación que te lleva, que te empuja cada día al estudio, debería de ser el deseo de ver obras que todavía no has realizado”.
otro grande, john baldessari dice: “No te metas en el arte en busca de fama o fortuna. Hazlo porque no puedes no hacerlo. Ser artista es una combinación de talento y obsesión”
alex katz indica: “Ampliar o mejorar tu público requiere toda tu energía”
y mierle laderman ukeles le responde que “cuando hablas del mundo del arte solo mencionas las galerías. No hablas de las calles, el aire, el agua, la tierra, el subsuelo. No hablas de ciudades, urbanismo. No mencionas el espacio exterior, las escalas múltiples, las escalas microscópicas. ¿CÓMO ES POSIBLE? No mencionas el ámbito público, la democracia, el significado de la palabra público.”
finalmente jessica stockholder comparte que: “En el arte y en la vida, todas nuestras acciones dependen al mismo tiempo de las circunstancias y de las múltiples elecciones que realizamos a partir de un número ilimitado de posibilidades. El baile entre los dos polos es lo que genera el sentido y la pasión”
voy por la mitad del libro, sino este texto sería eterno. estamos cerca de navidades, regálatelo, regálaselo a quien pudiera interesarle. es un lindo libro que te devuelve a lo esencial de la práctica artística, al acto de crear y a la condición de artista contemporáneo. es lindo volver a ver que el arte es el reflejo de una experiencia personal de vida y que, un artista es quien presta atención al mundo.
y es delgado y de letras grandes. feliz navidad.
27.11.10
más sabe el diablo por viejo que por diablo
resulta que hay un día que te levantas del sofá pensando que ya es demasiado. resulta que un día, comienzas a preocuparte realmente por ti misma. ya no se trata de un juego de niños.
hay un día, que la palabra fragilidad es parte de tu vocabulario y se abraza a la palabra experiencia. hay un día que, te haces cariño a ti mismo y además tomas conciencia de lo que eso acto significa y parece ser que la experiencia comienza a ser una cosa de subir un peldaño más. entonces hay un día que, te das cuenta de que está solo en ti el avanzar o retroceder. y ésto a su vez, se abraza a la palabra intuición.
estamos a finales de año, me permitirás que suene mucho mas sentimental. y me permitirás que opine de algo.
si observo una obra de arte que puede conectarme de alguna muy personal manera con mi experiencia, seguramente tardaré más de 1 minuto en ella porque me interesa de sobre manera, tú experiencia y la del resto. esa experiencia que es una forma de conocimiento o de habilidad porque entonces cabe la posibilidad de que, aprehenda (sí, esa con h). cuando el arte - o una pieza de arte - es capaz de generar una nueva experiencia en quien la observa, la escucha o la lee, es cuando el arte activa conocimiento, activa algo relevante.
el arte me obsesiona como reflejo de vida, creo fervientemente en la capacidad del arte de ser un refugio para el ser humano y creo que el arte puede ser un lugar de salvación.
y me permitirás que eleve el arte a un nivel celestial. no pediré disculpas, ya que resulta que, llega un día en que veo que el arte, es mi verdadera sala de urgencias.
y espero que leyendo estas líneas puedas reconocer el lugar que ocupa la fragilidad.
hay un día, que la palabra fragilidad es parte de tu vocabulario y se abraza a la palabra experiencia. hay un día que, te haces cariño a ti mismo y además tomas conciencia de lo que eso acto significa y parece ser que la experiencia comienza a ser una cosa de subir un peldaño más. entonces hay un día que, te das cuenta de que está solo en ti el avanzar o retroceder. y ésto a su vez, se abraza a la palabra intuición.
estamos a finales de año, me permitirás que suene mucho mas sentimental. y me permitirás que opine de algo.
si observo una obra de arte que puede conectarme de alguna muy personal manera con mi experiencia, seguramente tardaré más de 1 minuto en ella porque me interesa de sobre manera, tú experiencia y la del resto. esa experiencia que es una forma de conocimiento o de habilidad porque entonces cabe la posibilidad de que, aprehenda (sí, esa con h). cuando el arte - o una pieza de arte - es capaz de generar una nueva experiencia en quien la observa, la escucha o la lee, es cuando el arte activa conocimiento, activa algo relevante.
el arte me obsesiona como reflejo de vida, creo fervientemente en la capacidad del arte de ser un refugio para el ser humano y creo que el arte puede ser un lugar de salvación.
y me permitirás que eleve el arte a un nivel celestial. no pediré disculpas, ya que resulta que, llega un día en que veo que el arte, es mi verdadera sala de urgencias.
y espero que leyendo estas líneas puedas reconocer el lugar que ocupa la fragilidad.
24.11.10
riereta 24, 1-4. 08001. barcelona
de la serie: yo pinto
(ejercicios visuales acerca de la relación entre arte y vida)
7.11.10
#8_martin parr
barcelona, noviembre 2010
de la serie: yo interpreto
(ejercicios visuales acerca de la relación entre arte y vida)
7.10.10
las cosas de palacio van bien despacio
helio posee unos ojos que tienen la virtud de comunicar mucho. amanda enloquece con la figura del che guevara. no sabe a que se dedicaba, pero me gusta mucho, dice ella. su madre le ha regalado un reloj fantástico, que tiene como secundero, la palabra revolución, arrastrándose segundo a segundo, sobre la cara del revolucionario. me fascina aquel objeto de sobremanera. sofía es el comienzo de una mujer hermosa con muy especial luminosidad. pienso en encontrar algo para amanda.
helio cada noche, es un nuevo descubrimiento, habla dos idiomas, pertenece a dos países, lleva botas cafés grisáceas sobre pantalón pitillo. amanda dos noches atrás, me permitió probarme su camiseta de heidi que había sido un regalo y que quise tener para mi. sofía es bien hippie, y me encanta su estilo tan bien puesto. tiene mucho arte para sus movimientos. es pura expresividad. pienso en la cantidad de yogurt que come helio.
amanda es muy despierta. pareciera que le gusta mucho pensar. busca el saber. es coqueta a la vez que divertida. le gusta tanto sonreír. es bastante observadora. sofía es sensible, más bien pausada. le gusta tocar la guitarra y canta muy lindo. me pierdo observando a veces a helio, es tan particular, y no sé porqué, me hace soñar. a veces pienso en las áureas, a veces pienso en las energías. pienso en la conversación que tuve con sofía en la cocina antes de la cena.
es bueno tenerlos cerca. es bueno compartir de esta energía.
3.10.10
#7_rené magritte
carnaval, barcelona, enero 2008
de la serie: yo interpreto
(ejercicios visuales acerca de la relación entre arte y vida)
2.10.10
21.9.10
yo misma, el sábado 23 de mayo de 2009
su casa es mi casa fue el resultado de un proceso colaborativo de trabajo entre los invitados a participar. durante el transcurso de un mes, la casa de monty se convirtió en el espacio de trabajo del grupo. poco a poco, el espacio privado comenzó a volverse público. su casa es mi casa se inauguró y permaneció abierta solo el día sábado 23 de mayo de 2009. de 17h a 23 h. dirección: junta de comerç 15, 2-2. 08001. barcelona. españa. lo pasamos estupendamente bien.
el cuadro con un texto al costado izquierdo, describía a los siguientes:
1. Una noche me fui de fiesta, ya ni recuerdo cual. Ya en casa, mi amigo dj sentado en mi incómodo escritorio, conecta su ipod a mi ordenador para mostrarme tampoco recuerdo bien qué. Yo, que por primera vez en años volvía a coger el pincel, medio borracha, medio fumada, tenía previsto hacer de aquello, un momento muy especial.
2. Gracias a mis padres mi vida siempre ha estado rodeada de plantas. Han venido a visitarme y me han regalado una para sustituir al árbol de navidad que me negué a comprar. La planta sigue creciendo en mi balcón y de una manera muy especial, cuando la riego, los recuerdo. Hoy mas que nunca, adoro perder el tiempo.
3. Si de pintura se trata, el bodegón es uno de mis temas favoritos. Aquella mañana con mi tobillo herido debía escribir, pero cualquier frase sonaba intensamente patética.
el cuadro con un texto al costado izquierdo, describía a los siguientes:
1. Una noche me fui de fiesta, ya ni recuerdo cual. Ya en casa, mi amigo dj sentado en mi incómodo escritorio, conecta su ipod a mi ordenador para mostrarme tampoco recuerdo bien qué. Yo, que por primera vez en años volvía a coger el pincel, medio borracha, medio fumada, tenía previsto hacer de aquello, un momento muy especial.
2. Gracias a mis padres mi vida siempre ha estado rodeada de plantas. Han venido a visitarme y me han regalado una para sustituir al árbol de navidad que me negué a comprar. La planta sigue creciendo en mi balcón y de una manera muy especial, cuando la riego, los recuerdo. Hoy mas que nunca, adoro perder el tiempo.
3. Si de pintura se trata, el bodegón es uno de mis temas favoritos. Aquella mañana con mi tobillo herido debía escribir, pero cualquier frase sonaba intensamente patética.
14.9.10
yo misma, el 30 de agosto del 2011
texto realizado a partir de fotografías originales tomadas por joërg haeusgen
http://www.vimeo.com/14937468
http://www.vimeo.com/14937468
la espera
mientras espero que el video se termine de cargar, él me pregunta que escribo y yo le contesto: la espera.
he tenido muchos momentos. recuerdo copilco. cada mañana, mientras tú bajabas, yo me acercaba al ventanal, te miraba partir. por la tarde, mientras tu aparcabas, yo te oía venir. te veía llegar.
entre medio, yo esperaba.
podría redactar un libro entero acerca de tú y yo. pero lo cierto es que, no sabría ni por donde empezar. copilco también fue nuestro primer hogar.
es verdad que, esperé demasiado.
me vestí nuevamente de blanco, entré nuevamente al altar. como bien comentaste tú, fue mi segunda performance. lo cierto es que, arte y vida entre tú y yo, siempre fue un placer. aprendí de ti el valor de la espera.
aunque a veces fácil, lo supe olvidar.
hoy no esperaré despierta a que el video se acabe de cargar.
he tenido muchos momentos. recuerdo copilco. cada mañana, mientras tú bajabas, yo me acercaba al ventanal, te miraba partir. por la tarde, mientras tu aparcabas, yo te oía venir. te veía llegar.
entre medio, yo esperaba.
podría redactar un libro entero acerca de tú y yo. pero lo cierto es que, no sabría ni por donde empezar. copilco también fue nuestro primer hogar.
es verdad que, esperé demasiado.
me vestí nuevamente de blanco, entré nuevamente al altar. como bien comentaste tú, fue mi segunda performance. lo cierto es que, arte y vida entre tú y yo, siempre fue un placer. aprendí de ti el valor de la espera.
aunque a veces fácil, lo supe olvidar.
hoy no esperaré despierta a que el video se acabe de cargar.
9.9.10
lo siento picasso, mi corazón siempre ha sido de duchamp
ayer sucedió algo bonito. diego publicó en "mi muro” el video de school of saatchi, donde artistas contemporáneos se disputan una exposición individual en el museo hermitage.
¿a qué cabeza se le puede ocurrir dar este premio a un joven artista contemporáneo y en formato televisivo?
allí, rodeado de tesoros exquisitos que representan artísticamente la historia del hombre desde el paleolítico hasta la contemporaneidad. fabuloso honor visto desde los ojos de quien sabe bien, cuanto valor tiene ese lugar.
barroco pensamiento y excesivo amor por el color dorado.
allí donde el guggenheim a su lado parece un juego de niños.
saatchi a veces me recuerda a warhol. y después de fumar un poco, me imagino recorriendo el hermitage rodeada de cientos de bodegones.
ya no veo televisión y como no siento ningún interés por este tipo de formatos, supongo que no lo seguiré.
los cambios representan algo fundamental en mi vida.
disfruto y cuido mi independencia tanto, que solamente por medio de aquellos cambios es que me entero de mi real fragilidad. diría que son los cambios los que me humanizan.
bonito.
no lo digo yo, lo dice kate bush en el video: lo que buscan los panelistas del show es: “artistas con potencial de cambio”. es decir, ellos buscan una obra inacabada. ¿por qué?
porque un buen artista jamás debe aspirar a encontrar lo que busca, sino que debe encontrarse en estado de constante búsqueda. lo contrario generará estancamiento. lo contrario generará pasividad.
las revoluciones solo se generan tras un cambio.
busca tu personal revolución y cambia aquello que no te parezca bien (esto no lo dice kate bush, lo digo yo).
bonito.
la cosa se torna mal a partir del minuto 12.26, y es momento de apagar la televisión. saatchi nos quiere hacer tragar otro nuevo experimento, que bien por él. así, en los límites y bien borde, como tanto le gusta.
y hablando de límites resulta memorable el diálogo entre saad qureshi (seguramente el ganador) y tracey emin acerca de la pintura de bordes.
también prestar atención al hecho de que los artistas mejor tratados por el panel de expertos en este concurso, trabajan con pintura, ya que por el contrario, se cargan a todos los sobre- discursivos.
bonito.
“el arte es la expresión de la intención del artista”, nuevamente lo dice bush.
me detengo un momento, porque lo más bonito de toda esta mierda al servicio de esta sociedad sobre televisada, es esta frase. todas estas palabras unidas, pueden darte la respuesta a todo aquello que siempre quisiste saber pero nunca te atreviste a preguntar acerca de arte contemporáneo.
la respuesta se trata entonces de, la intención.
y es ella también quien le pregunta a un concursante: ¿por qué crees que es arte, lo que está exhibiendo?
desilusionada frente al silencio de él, ella esperaba que él contestara: porque yo lo digo.
¿en qué radica la romántica idea de que los artistas son genios?
en esto pues, en el "poder" que estos "seres creativos y sensibles" tienen para otorgarle un valor especial a las cosas y a las personas.
¿quién es entonces quien determina lo que es arte de lo que no lo es?
y como saatchi se cree artista, se inventa estas cosas. ¡éste si que tiene bien colocada la intención!
tener la capacidad de dar un valor otro a algo que no lo tenía hasta ese momento, es un acto que requiere de observación y experiencia.
prestar atención al detalle que hace la diferencia.
hablar de la identidad y de como comunicar esa experiencia. del pertenecer o no.
centrar la mirada en las cuestiones que interesan a este mundo modernizado.
tener un buen tema y trabajar en él, con mucha constancia.
conocer el contexto donde tu trabajo se activa, investigar a tus referentes, para poder proponer algo diferente.
sé creíble. da pasos seguros, aunque sepas que irás a equivocarte.
cultiva la humildad del que sabe.
relevante es tener un buen tema en la mano que te permita desarrollar un delicioso lenguaje formal.
enriquece tu propio y personal discurso.
desarrolla intuición e intención.
y no olvides ponerle sentimiento, que ojalá sea del tipo romanticismo melancólico.
bonito.
es tan fácil ridiculizar el arte.
el panel de expertos, me ha hecho reír. me he pasado una mañana completa pensando en lo límites, en saatchi, la intención, la televisión, en duchamp. pienso en ti mi amor, a raíz de la cuestión de los cambios. han sido meses intensos, he redescubierto a picasso. incluso ahora hago un trabajillo para él. entendí que tengo límites. he recuperado la intuición y tengo claro a donde pertenezco. comienzo a colocar mucho mejor, pero lentamente, la experiencia. y al arte contemporáneo, le debo mucho de esto.
aunque suene todo tan ridículo.
esa es precisamente, mi intención.
5.9.10
#6_yves klein
barcelona, septiembre 2010
de la serie: yo interpreto
(ejercicios visuales acerca de la relación entre arte y vida)
14.7.10
#5_marcel broodthaers
barcelona, julio 2010
de la serie: yo interpreto
(ejercicios visuales acerca de la relación entre arte y vida)
15.4.10
hasta el infinito_apuntes para un texto que no será, acerca de instituto divorciado
así, a veces, es como comienza el ritual. en el camino descubro pistas para saber como continuar. me gustaría ser más rápida, pero no me sale. poco a poco. eso de que todo tiene su tiempo, es verdad. pero esto no pudo ser, no era el momento. instituto divorciado, es un grupo compuesto por tres personas: diego fernández, ian szydlowski e iván navarro. me gustan las imagenes de una maqueta. me gusta mi libreta de anotaciones. me gusta escribirla. instituto divorciado es un complejo entramado de egos, arte contemporáneo y desubicación. el fuera de contexto es su arma de seducción. amor a primera vista. palabras escritas de puño y letra, cuestión que en estos tiempos, significa.
http://instituto-divorciado.org/
11.4.10
post performance. 27/03/2010
con solo tres dedos, podría nombrarte mis más profundos deseos, esto se llama trabajo, y un día perfecto en la ciudad de siempre.
las acciones se encadenan por un lazo afectivo. fueron planeadas como ejercicios situacionales, en donde solo el contexto determinaba. la acción entendida como reflejo de experiencia, posición ante la vida y todo lo que te rodea. la acción como un acto de pura proyección personal frente a un otro. y ese otro que podría ser cualquiera. el lugar tiene mucho que decir, a partir de él se entreteje una historia diferente. egocéntrico exhibicionismo, bajo el nombre de arte. inicialmente teníamos un plan de grabación, no era un gran plan, pero parecía que podría funcionar. no funcionó. todo tuvo que cambiar y la improvisación se impuso.
pero hay una cierta cuestión que me gustaría que se leyera antes de ser vista:
los terremotos no solo derrumban paredes. existen también las situaciones terremoteadas. la imagen terremoteada, puede ser una imagen que produzca caos, movimiento, desolación o accidente. pero también lleva intrínsica la palabra derrumbe y incluso un poco más, va de la mano de la palabra caída. esta performance es caída, algo que se ha perdido, pero que solo post terremoto cobra un sentido, toma forma y casi escalofriantemente, cierra un círculo. post, deduce algo nuevo, propone un cambio. las cosas se han movido y cada personal terremoto contiene aspectos interesantes. el movimiento es clave y las acciones responden a desplazamientos. el efecto terremoto remueve. el terremoto representa un símbolo y un significante y todo lo demás. el efecto terremoto es por sobre todo, una actitud. en la vida promedia de un chileno es probable sobrevivir a cuatro terremotos. algo así como un terremoto cada veinte/veinticinco años. yo ya llevo dos. esta performance es un relato post situacional de una historia terremoteada donde no solo las paredes se han derrumbado.
p.s: pronto
las acciones se encadenan por un lazo afectivo. fueron planeadas como ejercicios situacionales, en donde solo el contexto determinaba. la acción entendida como reflejo de experiencia, posición ante la vida y todo lo que te rodea. la acción como un acto de pura proyección personal frente a un otro. y ese otro que podría ser cualquiera. el lugar tiene mucho que decir, a partir de él se entreteje una historia diferente. egocéntrico exhibicionismo, bajo el nombre de arte. inicialmente teníamos un plan de grabación, no era un gran plan, pero parecía que podría funcionar. no funcionó. todo tuvo que cambiar y la improvisación se impuso.
pero hay una cierta cuestión que me gustaría que se leyera antes de ser vista:
los terremotos no solo derrumban paredes. existen también las situaciones terremoteadas. la imagen terremoteada, puede ser una imagen que produzca caos, movimiento, desolación o accidente. pero también lleva intrínsica la palabra derrumbe y incluso un poco más, va de la mano de la palabra caída. esta performance es caída, algo que se ha perdido, pero que solo post terremoto cobra un sentido, toma forma y casi escalofriantemente, cierra un círculo. post, deduce algo nuevo, propone un cambio. las cosas se han movido y cada personal terremoto contiene aspectos interesantes. el movimiento es clave y las acciones responden a desplazamientos. el efecto terremoto remueve. el terremoto representa un símbolo y un significante y todo lo demás. el efecto terremoto es por sobre todo, una actitud. en la vida promedia de un chileno es probable sobrevivir a cuatro terremotos. algo así como un terremoto cada veinte/veinticinco años. yo ya llevo dos. esta performance es un relato post situacional de una historia terremoteada donde no solo las paredes se han derrumbado.
p.s: pronto
12.3.10
where is where
hoy es el turno de eija-liisa ahtila y voy a contarte una historia.
fue un largo viaje hacia el trabajo. antes que sonara mi despertador, salté temprano con la llamada de mi madre. noches antes había tenido un sueño estremecedor. no quiero verbalizarlo. la temprana mañana, observé, estaba cubierta de una espesa nube blanca. la luminosidad del paisaje era, sencillamente fascinante. extraño efecto climático, pensé.
en la carretera, camino a santiago, me perdí en un estado introspectivo de ensueño. el camino parecía no terminar nunca y mi madre no paraba de hablar. cuando me dejó en el metro entendí que el placer del ensueño continuaría un buen rato más. eran doce estaciones antes de llegar.
el extraño viaje, se convirtió en video clip cuando encendí mi ipod. subí por la estación del metro “moneda”, sonaba chopin y mientras la sinfonía nocturna embetunaba toda la escena, me encontré rodeada de una multitud diversa despidiendo a la primera presidenta mujer de este país. fue emocionante. llevaba días atragantada observando el fervor patriótico surgido los últimos días del post-terremoto/maremoto tragedia. pero esta extraña mañana, lo entendí (casi) todo.
tú imagen inquieta porque relatas historias a través de la imagen en movimiento y utilizando una narrativa fragmentaria. eres una especie de cuenta-cuentos acerca de la experiencia humana. y vas haciendo polvo el concepto pre-fabricado de la identidad, siempre bajo cuestionamiento. buceas el terreno de la fragilidad psicológica. allí donde el contexto pareciera ser determinante. y es también la utilización narrativa y visual que haces de la fragilidad, la que le otorga a tu obra, una particular humanidad.
en where is where eija-liisa ahtila cuenta cómo, nuestra manera de entender la historia colectiva incide en nuestra comprensión de lo real. la identidad se construye a través de la otredad. su trabajo está constantemente poniendo en duda lo que entendemos por real, introduciendo constantemente “accidentes” situacionales, que son, ni más ni menos, los que le otorgan su particular sello ahtila. poético por donde se mire, perturbador por donde quieras, porque plantea dudas, propone intersticios.
cuando me paré esa mañana -a esa hora, ya soleda-, frente al edificio presidencial de la moneda, dejándome llevar por un mar de gente y banderas chilenas, entonado entusiastas la canción nacional, despidiendo a aquella mujer, sentí el incontrolable deseo de ponerme a cantar.
no soporto el patriotismo, pero celebro la fragilidad.
acerca de la imagen: eija-liisa ahtila. the house, 2002
12.1.10
cuando la fe mueve montañas
adoro el vino. mejor dicho, adoro todo lo relacionado con el universo del vino. chile es un poco vino para mi. es mi padre quien se encarga de mi cava personal, y de otras tantas cosas más. mi padre es un poco vino para mi. dos copas han llegado a mi acompañadas de una especial sorpresa. el nuevo año ha comenzado con aires profundos y los sentimientos están allí erizando aquello que hace tiempo no se movía de esta manera. hay frases nuevas, y entre ellas, el yo confío*, es mi preferida.
y hay un tema de fe que recorre mis pensamientos mientras camino por el gran santiago, preferentemente a la hora de la caída del sol. la fe es importante. no es su mejor trabajo, pero cuando francis alÿs titula a su ya antigua intervención cuando la fe mueve montañas y veo de que se trata formalmente la acción que se desarrolla en un cerro para la bienal de lima, me interesa comprender el significado de lo que realmente se quiere poner en cuestión. me fascina el poder de la palabra y la capacidad poética de la imagen. pero debo decir que comencé el nuevo año desquiciada por la poesía de la palabra.
mi cama me espera. hay dos poderosas razones por las cuales ir. un debate político, en plena efervescencia por elecciones presidenciales y la película del chileno en nueva york que hace tiempo quería ver. pero en estos momentos, me haces falta y no puedo mas que pensar en la fe. evidentemente hablo de ello porque sé que de algua manera, la he perdido. es triste no poder luchar en condiciones normales. estoy un tanto paralizada por no saber a donde nos llevará todo ésto. y me siento cansada de mucho. escribir o morir, es el nombre de la poesía de esta noche.
tú eres la que flotaba en alguno de mis textos. yo flotaba a tu lado. visualizo esa imagen imperiosamente. como en el trabajo de alÿs, relevante entre tú y yo siempre, ha sido el gesto. hace unos minutos atrás, he movido la mesa donde escribo de lugar, solo unos centímetros, pero ello me ha permitido ahora, disfrutar de una vista sublime del skyline santiaguino. un solo gesto y la perspectiva cambia. imagina tú, hasta donde puede cambiar. si eso no es relevante, que alguien lo indique entonces. para mi lo nuestro ha sido un cúmulo inter-galáctico de gestos. y quiero confiar.
hay muchos cerros por aquí, estamos rodeados. bernardita ante mi fascinante conexión con los cerros en este viaje, me comentó el poder místico de aquella geografía. quiero más misticismo.
una noche de verano, regresaba de un viaje de semanas. corrí a mi bar de siempre, lo extrañaba. aquella noche, al entrar, sentí tu mirada. tu cara me sonó conocida, y caminé segura esperando presentarme. nunca más nos separamos. la mirada también ha sido relevante en esta historia. de gesto, de mirada, de fe, de movimiento, de trabajo en equipo, de imagen, de cerros y de poesía, está escrito nuestro camino, igual que si se tratase de un francis alÿs. y como él, también fuimos trabajando con el error.
confío en que estarás de regreso a mi. confío en volver a sentir tu mirada. confío, porque sencillamente quiero hacerlo. los cerros poseen la capacidad de hacernos mirar desde lejos, nos proporcionan distancia. imponen magnitud y derrochan belleza. son poesía.
cuando la fe mueve montañas mi querida paula, es en lo que pienso constantemente, y tú como nadie sabe como me gusta mezclar mis historias personales con mis intereses. gracias por hacerme confiar. y gracias a ti por la poesía. bebo una copa de vino por ustedes. y muy especialmente esta noche, por ti.
28.12.09
"sin título"_centro cultural matucana 100
“lo esencial es invisible a los ojos” y yo llevo semanas manteniendo una batalla campal en mi cabeza con esta frase armada, jugando un solitario de preguntas y respuestas. han pasado los días y he incrementado el uso de palabras chilenas en mi vocabulario cotidiano. han pasado semanas del comienzo del viaje mas largo que he realizado. y estoy a unas cuantas varias horas de cerrar un año. uno más. el repaso mental que hago llegada a este punto es uno de mis clásicos y no lo puedo evitar. crucé la cordillera de los andes pegada a la ventana avión llorando emocionada, como una magdalena. la pareja de americanos a mi lado miraban con cara de preocupación, pero a mí, la verdad, es que como muy pocas veces en mi vida, lloré sin importarme ser vista. la mirada -ya sea como concepto abstracto o acción física-, resulta siempre ser un gran tema.
acudí a la inauguración de “sin título” en matucana 100. la exposición es el resultado de diversas visitas al taller de los 79 artistas que conforman la muestra, bajo el objetivo de “volver a mirar pintura”, según indica la curadora de la muestra.
desde hace ya un buen tiempo la pintura ha retomado su espacio de reconocimiento después de la triunfal larga temporada de instalaciones y nuevos medios, entonces en este sentido, la reflexión lleva un buen rato bajo análisis. aún así, el ejercicio curatorial que plantea “sin título” me parece, tiene puntos destacables.
la muestra no solo se basa en el hecho expositivo concreto, también se planifican otros espacios de comunicación e intercambio. se sentarán a conversar en mesas redondas, llegarán invitados internacionales a mover las piezas exhibidas a su disposición, y los artistas que exponen, revelarán sus distintas maneras de hacer pintura. contaminar el trabajo propio invitando a interceder a otros puede ser una perspicaz manera de generar nuevos discursos, pero conlleva riesgos, y es en este sentido, que la organización debe velar por su buen funcionamiento para que se cumplan los objetivos que generen la riqueza conceptual que este ejercicio pretende. la correcta difusión será relevante para que las actividades paralelas no queden solo en las buenas intenciones.
en relación a la muestra, el montaje de exposición -cuestión fundamental a la hora de pensar el hecho expositivo-, propone un recorrido visual que entusiasma como espectador, la sala es enorme y sus paredes están repletas de pinturas en diferentes formatos reunidos de manera no aleatoria, pero bastante lúdica. con un montaje similar al de ferias de arte vemos, un artista y una pieza. no existen cartelas informativas acompañando a las piezas, entonces si uno quiere saber, debe coger el folleto que contiene el plano de sala, con las obras en miniatura y con un número sobre ellas que identifica al autor. observo entonces que, evidentemente ninguna de las pinturas posee título.
la curadora en su texto explica el proceso por medio al cual se llegó a la selección de los artistas y las visitas a taller adquieren relevancia en este proyecto expositivo. yo extrañé no ver en sala, parte de ese “recorrido” y de la “bitácora” a la que hace referencia. “sin título” se plantea como un archivo en proceso, y si se pretende hablar de un trabajo de archivo se debería también exhibir lo que de ello tiene, en este sentido la búsqueda y la selección en un proceso de confección pueden generar otro nuevo e interesante material de trabajo. y esta es la razón por la cual “sin título”, bajo la mirada del espectador, se reduce a un mero catastro de determinada clase de pintura chilena contemporánea. mas que archivo, preferiría hablar de catálogo. el ejercicio reflexivo que este proyecto curatorial plantea se habría visto reforzado con la exhibición del proceso que lo ha llevado al resultado.
una vez dicho esto, celebro mis encuentros con determinadas piezas que hacen de “sin título” un evento para mi interesante. Las pinturas que acompañan este breve texto corresponden a josé luis villablanca. he robado las imágenes de la web y al parecer corresponden a su exposición realizada en galería metropolitana el año 2008. Otros nombres con piezas interesantes: Jorge cabieses, josé benmayor, elías santis, ignacio gumucio, diego hernández, francisco valdés, diego fernández.
lo esencial, aquello de lo que parece tratarse lo verdaderamente importante en esta vida, es invisible a los ojos, entonces, ¿cómo es que deberíamos mirar la vida?. en arte sucede algo similar, lo verdaderamente esencial de los discursos artísticos, por lo general, tampoco es visible a la vista, entonces ¿cómo es que deberíamos de mirar el arte?. entiendo que la problemática de la mirada no es en ningún caso especificad del medio pictórico, lo es en el arte en general, como lo es también en la vida misma.
si se trata de arte, la manera de mirar o de volver a mirar se desarrollará adquiriendo (en el caso del espectador) o entregando (en el caso del curador) las herramientas necesarias que le permitan reflexionar a aquel que está mirando... lo que enriquece la mirada sobre tal o cual producción artística, es la capacidad reflexiva de quien observa. y lo que permite hacer visible lo esencial, en la vida, funciona casi igual.
me gustan los fines de año precisamente porque me gusta aún más el repaso mental que me permite volver sobre lo que ha sucedido en el transcurso del año que se va. y lo dicho, el tema de la mirada es un gran tema.
7.12.09
“tres movimientos para un solo gesto”
rodrigo me invitó a visitar su último proyecto curatorial, tres movimientos para un solo gesto, que se llevó a cabo la semana pasada en la ciudad chilena de la serena. el proyecto, en líneas muy generales, estaba dividido en tres movimientos: una exposición de dibujos, un ciclo de conferencias (en las que participaron directores de diferentes espacios alternativos de exhibición) y una serie de intervenciones en el espacio público. en cuanto al gesto, se trataba básicamente de la descentralización.
rodrigo vergara en conversación con un grupo de la tercera edad explicando la exposición de dibujos "666". a su lado raúl martínez, quien trasladaba al grupo a bordo de su "artbus"
a diferencia de los focos internacionales de producción contemporánea, el arte chileno que allí pude ver, logra mucho con muy poco. antes, esta idea la asociaba a la precariedad, pero lo cierto es que las estrategias que utilizan los artistas y aquellos que dirigen espacios alternativos, son maneras de hacer sofisticadamente inteligentes. la precariedad es utilizada como elemento de trabajo en un sentido claramente mas formal que conceptual. dos cuestiones muy distintas.
trabajos todos con un fuerte acento en las cuestiones locales y en la interacción con el público. existe un interés concreto por desarrollar “nuevas audiencias”. los espacios alternativos no miden la calidad de esa audiencia por el número de asistentes, sino mas bien, por la capacidad de que sus acciones tengan un impacto real en la comunidad donde se encuentran ubicados. este impacto no puede ser entendido como una imposición o una labor redentora, sino que se trata mas bien, de procesos de intercambio y colaboración. el “puente“ es el arte contemporáneo, por lo tanto existe un particular interés también por conocer y participar de la situación internacional de este tipo de producción. trabajar con lo local pero no ajenos a lo global, pareciera ser lo correcto, aquí, donde las audiencias y el mercado no funcionan de forma espectacular.
instalación del espacio de residencias "La Curandera" dirigido por el artista visual y chef Adolfo Torres ubicado en Bahía Inglesa, al norte de Chile.
Proyectos editoriales varios: Animita, Revista Plus, Galería Metropolitana.
en este camino, es interesante observar como involucran a los vecinos para que participen no solo de las inauguraciones sino también de los procesos de creación. vincularse con todos los agentes de su contexto con el fin de poder realizar alianzas estratégicas con todos ellos, desde agrupaciones sociales, juntas vecinales, locales comerciales e instituciones, incluso privados. destaco el hecho de que estos espacios alternativos para el arte son dirigidos por agentes pensantes a la vez que críticos, cuestión que permite a estos espacios terminar siendo también, generadores de discurso y de circuito. se crean en base a un gesto en si mismo, mas que lugar comercial. además buscan exponer a artistas reflexivos, que sean capaces de involucrarse con el contexto geográfico y social. es claro como estos personajes se alejan de la idea del cubo blanco, del rol clásico del galerista y la relación jerarquizada con el artista.
luis alarcón y ana maría saavedra directores de "galería metropolitana", santiago de chile, adolfo torres y carlos valle, director del proyecto editorial "animita".
en el caso de las piezas de los artistas convocados para esta muestra, ocurre algo similar. al tratarse de intervenciones en espacio público, el tema de la audiencia, no era menor. lamentablemente la nefasta organización y difusión por parte de la productoras locales repercutió directamente en el número de asistentes. aún así, se lograron crear instancias interesantes de intercambio con determinados grupos de visitantes; gente de la tercera edad, pescadores, mujeres agredidas. de lo poco, bueno. calidad v/s cantidad, algo que el arte de hoy digiere con dificultad.
las intervenciones, debido a que estaban distribuidas en un amplio sector y formalmente eran bastante sutiles, no poseían rápida visibilidad, por lo tanto era divertido observar como los viandantes se enfrentaban a ellas al encontrarlas en su camino y como otros, ni se enteraban. descentralizar el arte contemporáneo y llevarlo a un público que no tiene costumbre, o a lugares que históricamente no le pertenecen, es un gesto que conlleva riesgos pero que no deja de producir ciertos momentos de brillantez. vuelvo a insistir en la idea del menos es más.
nicolás grum, en pleno montaje de sus intervenciones
instalación sonora, de mi gran amigo y gran artista, pablo mellado
reunión-almuerzo, proyecto de arturo duclós
para entender el arte chileno contemporáneo hay que vivirlo, ya que los procesos de creación son más profundos y más sociales, y esto resulta ser, un tanto complejo. una mirada euro centrista por ejemplo, difícilmente podrá traspasar el umbral de lo “pintoresco” sin un conocimiento específico del contexto donde se está desarrollando. quizás, queda en manos de todos los agentes que participan del arte contemporáneo chileno trabajar en una difusión real de estos contextos de creación y fomentar el nacimiento de redes que favorezcan un intercambio bastante más profundo que el que la imagen fotográfica o el correo electrónico permita.
a modo de resumen: la exposición de dibujo, curada por rodrigo vergara y titulada "666", donde 6 artistas visuales: (josé pablo díaz, carlos carvajal, diego hernández, cesar gabler, alonso duarte y maría gabler) que utilizan el dibujo como una disciplina medular, mostraron 6 dibujos cada uno abordando la relación entre religión y arquitectura. la tensión del tema aparece dado que, el año 2000, el gobierno regional inauguró una monumental cruz católica en la cumbre más alta de la ciudad de coquimbo y que, dos años más tarde, se inauguró una mezquita en el cerro más alto de la ciudad, provocando una tensión conceptual en torno al poder. la serie de conferencias sobre la descentralización, creación y gestión de nuevos espacios para el arte contemporáneo donde los proyectos convocados fueron: la galería metropolitana (ana maría saavedra y luis alarcón), proyecto animita (carlos valle), la curandera (adolfo torres), CEDOC (isabel garcía). las intervenciones en espacios públicos fueron de: raúl martínez, con su “artbus”, donde llevaba a personas de distintos grupos y organizaciones sociales de la zona, por las obras desplegadas entre todos los puntos, recorrido en el que se mostraba una selección de video arte internacional (con videos de carlos amorales, alicia framis, ruth gómez, aníbal lópez A-1 53167, yoshua okón, reiningungsgesellschaft, santiago sierra, nedko solakov, entre otros). isabel garcía desplazó a la playa de peñuelas un “pedazo” del centro de documentación que dirige (CEDOC); una campaña callejera en base a panfletos y afiches de nicolás grum; una instalación sonora en un poste de luz de pablo mellado; una reunión-almuerzo en una caleta pequeña organizada por arturo duclós; una especie de patio de honores, como resultado de una investigación que hizo manuela viera-gallo con una casa de acogida a mujeres agredidas; un escaparate de una conocida multitienda con videos de juan céspedes; y 5 paletas publicitarias emplazadas en una avenida con fotografías de rodrigo pereda.
juan céspedes, diego hernández y manuela viera-gallo en un momento de la reunión-almuerzo de arturo duclós.
pablo mellado y josé pablo díaz en otro momento de la reunión-almuerzo de arturo duclós.
rodrigo vergara en conversación con un grupo de la tercera edad explicando la exposición de dibujos "666". a su lado raúl martínez, quien trasladaba al grupo a bordo de su "artbus"
a diferencia de los focos internacionales de producción contemporánea, el arte chileno que allí pude ver, logra mucho con muy poco. antes, esta idea la asociaba a la precariedad, pero lo cierto es que las estrategias que utilizan los artistas y aquellos que dirigen espacios alternativos, son maneras de hacer sofisticadamente inteligentes. la precariedad es utilizada como elemento de trabajo en un sentido claramente mas formal que conceptual. dos cuestiones muy distintas.
trabajos todos con un fuerte acento en las cuestiones locales y en la interacción con el público. existe un interés concreto por desarrollar “nuevas audiencias”. los espacios alternativos no miden la calidad de esa audiencia por el número de asistentes, sino mas bien, por la capacidad de que sus acciones tengan un impacto real en la comunidad donde se encuentran ubicados. este impacto no puede ser entendido como una imposición o una labor redentora, sino que se trata mas bien, de procesos de intercambio y colaboración. el “puente“ es el arte contemporáneo, por lo tanto existe un particular interés también por conocer y participar de la situación internacional de este tipo de producción. trabajar con lo local pero no ajenos a lo global, pareciera ser lo correcto, aquí, donde las audiencias y el mercado no funcionan de forma espectacular.
instalación del espacio de residencias "La Curandera" dirigido por el artista visual y chef Adolfo Torres ubicado en Bahía Inglesa, al norte de Chile.
Proyectos editoriales varios: Animita, Revista Plus, Galería Metropolitana.
en este camino, es interesante observar como involucran a los vecinos para que participen no solo de las inauguraciones sino también de los procesos de creación. vincularse con todos los agentes de su contexto con el fin de poder realizar alianzas estratégicas con todos ellos, desde agrupaciones sociales, juntas vecinales, locales comerciales e instituciones, incluso privados. destaco el hecho de que estos espacios alternativos para el arte son dirigidos por agentes pensantes a la vez que críticos, cuestión que permite a estos espacios terminar siendo también, generadores de discurso y de circuito. se crean en base a un gesto en si mismo, mas que lugar comercial. además buscan exponer a artistas reflexivos, que sean capaces de involucrarse con el contexto geográfico y social. es claro como estos personajes se alejan de la idea del cubo blanco, del rol clásico del galerista y la relación jerarquizada con el artista.
luis alarcón y ana maría saavedra directores de "galería metropolitana", santiago de chile, adolfo torres y carlos valle, director del proyecto editorial "animita".
en el caso de las piezas de los artistas convocados para esta muestra, ocurre algo similar. al tratarse de intervenciones en espacio público, el tema de la audiencia, no era menor. lamentablemente la nefasta organización y difusión por parte de la productoras locales repercutió directamente en el número de asistentes. aún así, se lograron crear instancias interesantes de intercambio con determinados grupos de visitantes; gente de la tercera edad, pescadores, mujeres agredidas. de lo poco, bueno. calidad v/s cantidad, algo que el arte de hoy digiere con dificultad.
las intervenciones, debido a que estaban distribuidas en un amplio sector y formalmente eran bastante sutiles, no poseían rápida visibilidad, por lo tanto era divertido observar como los viandantes se enfrentaban a ellas al encontrarlas en su camino y como otros, ni se enteraban. descentralizar el arte contemporáneo y llevarlo a un público que no tiene costumbre, o a lugares que históricamente no le pertenecen, es un gesto que conlleva riesgos pero que no deja de producir ciertos momentos de brillantez. vuelvo a insistir en la idea del menos es más.
nicolás grum, en pleno montaje de sus intervenciones
instalación sonora, de mi gran amigo y gran artista, pablo mellado
reunión-almuerzo, proyecto de arturo duclós
para entender el arte chileno contemporáneo hay que vivirlo, ya que los procesos de creación son más profundos y más sociales, y esto resulta ser, un tanto complejo. una mirada euro centrista por ejemplo, difícilmente podrá traspasar el umbral de lo “pintoresco” sin un conocimiento específico del contexto donde se está desarrollando. quizás, queda en manos de todos los agentes que participan del arte contemporáneo chileno trabajar en una difusión real de estos contextos de creación y fomentar el nacimiento de redes que favorezcan un intercambio bastante más profundo que el que la imagen fotográfica o el correo electrónico permita.
a modo de resumen: la exposición de dibujo, curada por rodrigo vergara y titulada "666", donde 6 artistas visuales: (josé pablo díaz, carlos carvajal, diego hernández, cesar gabler, alonso duarte y maría gabler) que utilizan el dibujo como una disciplina medular, mostraron 6 dibujos cada uno abordando la relación entre religión y arquitectura. la tensión del tema aparece dado que, el año 2000, el gobierno regional inauguró una monumental cruz católica en la cumbre más alta de la ciudad de coquimbo y que, dos años más tarde, se inauguró una mezquita en el cerro más alto de la ciudad, provocando una tensión conceptual en torno al poder. la serie de conferencias sobre la descentralización, creación y gestión de nuevos espacios para el arte contemporáneo donde los proyectos convocados fueron: la galería metropolitana (ana maría saavedra y luis alarcón), proyecto animita (carlos valle), la curandera (adolfo torres), CEDOC (isabel garcía). las intervenciones en espacios públicos fueron de: raúl martínez, con su “artbus”, donde llevaba a personas de distintos grupos y organizaciones sociales de la zona, por las obras desplegadas entre todos los puntos, recorrido en el que se mostraba una selección de video arte internacional (con videos de carlos amorales, alicia framis, ruth gómez, aníbal lópez A-1 53167, yoshua okón, reiningungsgesellschaft, santiago sierra, nedko solakov, entre otros). isabel garcía desplazó a la playa de peñuelas un “pedazo” del centro de documentación que dirige (CEDOC); una campaña callejera en base a panfletos y afiches de nicolás grum; una instalación sonora en un poste de luz de pablo mellado; una reunión-almuerzo en una caleta pequeña organizada por arturo duclós; una especie de patio de honores, como resultado de una investigación que hizo manuela viera-gallo con una casa de acogida a mujeres agredidas; un escaparate de una conocida multitienda con videos de juan céspedes; y 5 paletas publicitarias emplazadas en una avenida con fotografías de rodrigo pereda.
juan céspedes, diego hernández y manuela viera-gallo en un momento de la reunión-almuerzo de arturo duclós.
pablo mellado y josé pablo díaz en otro momento de la reunión-almuerzo de arturo duclós.
6.12.09
#4_gordon matta-clark
coquimbo, chile, diciembre 2009
de la serie: yo interpreto
(ejercicios visuales acerca de la relación entre arte y vida)
19.9.09
Paula Ospina : Interior / Exterior
(texto para la exposición Still Life de Paula Ospina en Jens Fehring Gallery. Frankfurt. 02.10 - 31.10 2009)
CASTELLANO - ENGLISH
El mundo que nos toca vivir es caótico e hiper acelerado. Nuestra relación con la imagen se ve constantemente alterada, y lo real y lo efímero adquieren nuevos sentidos. En este escenario actual, una parte de la fotografía, conciente de este fenómeno, busca reflejar la experiencia individual inserta en este nuevo orden mundial.
En este contexto, el trabajo de la fotógrafa colombiana Paula Ospina pone en circulación imágenes que sean capaces de trasmitir su propia experiencia. Una experiencia basada en las dimensiones más elevadas de nuestra interioridad profunda, aquellas mismas de las que se han ocupado las tradiciones espirituales más antiguas y que la artista lleva años interiorizando. Es en este camino donde, comienza a experimentar una profunda conexión con el paisaje natural. Y la toma de una conciencia ecológica, no tarda en llegar.
Sus imágenes quieren ser transmisores de esta experiencia a ojos de quien las observa. Su trabajo profundiza en la capacidad de una imagen para extraernos de la vorágine del mundo actual y trasladarnos a un lugar de quietud y silencio, donde también lograr transmitir la belleza, la paz y la infinitud del paisaje natural. En sus series fotográficas, la naturaleza se impone como aquel lugar donde poder conectarnos con lo esencial.
Según palabras de la artista, su intención es vivir los sitios visitados; observarlos, sentirlos, olerlos. Absorber esos lugares para que la foto no sea solamente registro de un momento en particular, sino mas bien sea un reflejo de la inmensidad de lo vivido. Su experiencia nace desde lo más personal, que es sensible y reflexiva, e intenta ahondar en la percepción de la naturaleza y el valor que tenemos por ella.
La fotografía es el medio mas capaz de captar un sinfín de impresiones de distintos significados posibles y el paisaje parece ser un perfecto exponente del potencial poético de la imagen fotográfica. Sin duda, la fotografía de paisajes es un género de expresión íntima en manos del artista y es el potencial transformador y transportador de sentidos lo que lleva a la artista a explorarla. Sus imágenes no pretenden sencillamente trasladar al espectador al espacio representado, sino que espera poder provocar una sensible reflexión hacia la naturaleza, hacia el poder de los cambios medioambientales, así como sobre el uso que la gente hace de ella. Los paisajes naturales que Paula Ospina fotografía son una extensión de su personalidad, y poéticamente van tejiendo puentes entre diversas dualidades, tales como, el adentro y el afuera, lo espiritual y lo material, el orden y al caos, la inmensidad y la pequeñez, lo interior y lo exterior.
Esta sensibilidad por el paisaje ha llevado a la artista a indagar cada vez más acerca del proceso de elección del encuadre capturado. Su responsabilidad como artista radica en producir imágenes que funcionen como pausas en medio del caos contemporáneo. En este sentido, es que cobra relevancia la técnica utilizada y el uso de la cámara y el proceso analógico exige también a la artista, mesura a la hora de disparar.
El paisaje en Paula Ospina deja de lado el artificio y la recreación, buscando trabajar la naturaleza en términos minimalistas, es decir, reduciendo hasta lo esencial y despojándola de elementos sobrantes.
Para el fotógrafo austríaco Ernst Haas, el artista expresa a través de su trabajo artístico la suma de una red indefinible de sentimiento, conocimiento y experiencia. El trabajo de Paula Ospina transita firme en esta dirección.
.......................................................................................
The world we live in is chaotic and hyper accelerated. Our relationship with images is being constantly altered: the real and the ephemeral acquire new meanings. In this present day scenario, a part of photography, conscious of this phenomenon, seeks to reflect individual experience within this new world order.
In this context, the work of Colombian photographer Paula Ospinan puts images in circulation that are capable of transmitting her own experience. An experience based on seeking a deep understanding of human consciousness, as has been expounded thoroughly by ancient spiritual traditions which the artist has been practicing and learning from for some years. It is along this path where she also begins to establish a profound connection to nature from which an ecological (as in: the relationships between the air, land, water, animals, plants, etc) awareness eventually arises.
Her images want to transmit these experiences to the viewer who observes them. Her work delves deeply in the ability that an image has to draw us out of the vortex of mundane living and take us into a place of quietude and silence, where we may also experience beauty, peace and the immensity of a natural landscape. In her photographic series, nature is presented as a place where we may connect with the essential.
As stated by the artist her intention is to fully live the places visited, observe, feel and smell them. Absorbing those places so that the photo is not just a moment captured but also a reflection of the depth of her living. Her experience comes from the most personal, which is sensitive and reflective, and seeks to deepen the perception of nature and the value we have for it.
Photography is the medium most capable of capturing a multitude of views of different possible meanings and the landscape seems to be a perfect example of the poetic potential of the photographic image. Undoubtedly, landscape photography is a genre of intimate expression in the hands of the artist and it is the transformative potential and conveyor of meaning which leads the artist to explore it. Her images are not meant to simply move the viewer into the space represented, but also to provoke a reflection about nature, about the power of environmental change and about the use people make of it. The natural landscapes Paula Ospina photographs are an extension of her personality, and poetically weave bridges between various dualities, such as the inside and the outside, the spiritual and material, order and chaos, the vastness and smallness, inside and outside.
This sensitivity to landscapes has led the artist to inquire more about the process of choosing the image that is finally framed. Her responsibility as an artist lies in producing images that function as pauses in the midst of contemporary chaos. In this sense, the technique she uses becomes important as the use of analog cameras and processes require the artist more moderation when shooting.
The landscape in Paula Ospina omits the artifice and recreation, looking to explore nature in minimalist terms by reducing it to the essential and stripping it of excess elements.
For the Austrian photographer Ernst Haas, the artist must express the summation of his feeling, knowing and believing through the unity of his life and work. Paula Ospina's work moves firmly in this direction.
9.9.09
ciudades efímeras
este texto lo escribí el año 2003. ayer recuperé antiguos archivos que pensé había perdido al morir mi disco duro.
CIUDADES EFÍMERAS de Sergio Belinchón
Es posible ver como el paisaje contemporáneo hoy, se observa inquietante debido al fenómeno de la rentabilidad máxima del espacio privado y de la multiplicación en el paisaje natural de los instrumentos impuestos en el avance tecnológico de las ciudades, donde la construcción arquitectónica dibuja nuevos volúmenes construyendo así, nuevos paisajes. Y al decir ésto, no me refiero solamente a la forma. Las fotografías que componen la serie Ciudades Efímeras resultan ser un contundente análisis visual y poético de la cuidad y de esa arquitectura que la construye. Belinchón revela la alteración del paisaje en su constante transformación urbana.
Sucede que la fotografía, sea simple documento o imagen consciente de su fuerza poética, tiene un papel decisivo en esta relación ciudad-paisaje-arquitectura, ya que el extraordinario potencial estético de la presentación de las cosas reales, comunes, cotidianas, hace que ésta pueda proporcionar las informaciones que hacen falta al ciudadano común, logrando así, funcionar también como instrumento que lleve a la conciencia y a la reflexión sobre los valores y el significado del espacio urbano contemporáneo.
Lo que el fotógrafo refleja de este nuevo paisaje es su deshumanización, capturando complejos turísticos y edificaciones del extrarradio. La característica de ambos paisajes es la intervención urbanística hiperacelerada y desproporcionada. Aquella donde comienza a desaparecer la naturaleza pero tampoco acaba de convertirse en ciudad. Aquellas que los urbanistas llaman no-lugares. Y La desolación se instaura en este paisaje porque existe el rastro de la prescencia humana, pero no la reconocemos, entonces la imagen deviene casi agónica cuando comprendemos que no la vemos porque está ausente. Y la ausencia remite un tanto a melancolía. Es por todas estas razones que la fotografía de Belinchón resulta inquietante. Es por esto que su trabajo no habla solamente de forma.
Lo cierto es que nuestra ciudad se ha vuelto más borrosa porque ha ganado complejidad. Al parecer, el real significado de la ciudad se pierde ya que cuanto más se habla de ella, menos se entiende. Las fotografías de Belinchón nos remiten poéticamente a esta situación y dejándonos ver también como la arquitectura ha modificado nuestra relación con el paisaje. El paisaje ya no es un lugar de recogimiento. El paisaje ha dejado de ser en el Arte, un espacio unicamente contemplativo.
CIUDADES EFÍMERAS de Sergio Belinchón
Es posible ver como el paisaje contemporáneo hoy, se observa inquietante debido al fenómeno de la rentabilidad máxima del espacio privado y de la multiplicación en el paisaje natural de los instrumentos impuestos en el avance tecnológico de las ciudades, donde la construcción arquitectónica dibuja nuevos volúmenes construyendo así, nuevos paisajes. Y al decir ésto, no me refiero solamente a la forma. Las fotografías que componen la serie Ciudades Efímeras resultan ser un contundente análisis visual y poético de la cuidad y de esa arquitectura que la construye. Belinchón revela la alteración del paisaje en su constante transformación urbana.
Sucede que la fotografía, sea simple documento o imagen consciente de su fuerza poética, tiene un papel decisivo en esta relación ciudad-paisaje-arquitectura, ya que el extraordinario potencial estético de la presentación de las cosas reales, comunes, cotidianas, hace que ésta pueda proporcionar las informaciones que hacen falta al ciudadano común, logrando así, funcionar también como instrumento que lleve a la conciencia y a la reflexión sobre los valores y el significado del espacio urbano contemporáneo.
Lo que el fotógrafo refleja de este nuevo paisaje es su deshumanización, capturando complejos turísticos y edificaciones del extrarradio. La característica de ambos paisajes es la intervención urbanística hiperacelerada y desproporcionada. Aquella donde comienza a desaparecer la naturaleza pero tampoco acaba de convertirse en ciudad. Aquellas que los urbanistas llaman no-lugares. Y La desolación se instaura en este paisaje porque existe el rastro de la prescencia humana, pero no la reconocemos, entonces la imagen deviene casi agónica cuando comprendemos que no la vemos porque está ausente. Y la ausencia remite un tanto a melancolía. Es por todas estas razones que la fotografía de Belinchón resulta inquietante. Es por esto que su trabajo no habla solamente de forma.
Lo cierto es que nuestra ciudad se ha vuelto más borrosa porque ha ganado complejidad. Al parecer, el real significado de la ciudad se pierde ya que cuanto más se habla de ella, menos se entiende. Las fotografías de Belinchón nos remiten poéticamente a esta situación y dejándonos ver también como la arquitectura ha modificado nuestra relación con el paisaje. El paisaje ya no es un lugar de recogimiento. El paisaje ha dejado de ser en el Arte, un espacio unicamente contemplativo.
19.8.09
a raíz de un breve intercambio inspirador, una breve reflexión fotográfica de verano
Mientras intercambiábamos correspondencia en relación a mis intereses fotográficos y a los tuyos, pedías nombres. La lista que te envío contiene mis imprescindibles, mis referentes. Sin orden de preferencia, a excepción de los dos primeros; Jeff Wall y Cindy Sherman.
Wall, trabaja sus imágenes como si se tratase de una escena cinematográfica. Cada fotografía es una gran mise-en-scène. Una estricta y minuciosa preparación de los escenarios y de los actores al servicio de una narración visual propia. Resulta inquietante observar una imagen que sé irreal, pero que es extrañamente verosímil y concreta. Con certeza sé también, que hay suficientes lecturas bajo lo evidente, por lo tanto, es necesario prestar atención al detalle.
En “Mimic”, tres actores interpretando una escena cotidiana de calle en un suburbio. Toda la tensión se centra en el gesto casi imperceptible, del personaje del centro, que denota racismo. Una puesta en escena que quiere evidenciar la violencia social vivida en aquel contexto. En este sentido es importante reconocer que Wall hace actuar a la fotografía como una especie de pintura histórica que representa el presente, haciendo una personal interpretación de aquel “pintor de la vida moderna” descrito por Baudelaire. Como en “Dead Troops Talk”, donde se hace valer de los elementos compositivos del clásico cuadro de Géricault, “La balsa de la Medusa”, para “versionarlos” en clave actual.
Como teórico su trabajo no es menor, el texto escrito acerca del trabajo de Dan Graham, “Kammerspiel”, se lee francamente vivaz, es inteligente y revelador. Sus textos poseen una lúcida y perfecta combinación entre pensamiento critico, reflexión estética y conocimiento del oficio artístico. Su capacidad de manejar el lenguaje le permite estirar el medio que utiliza. Pareciera que en Wall la técnica es relevante SOLO en la medida en que se encuentra al servicio de una idea, en este caso, la suya propia. Es a partir del estudio del trabajo de Wall que yo descubro el potencial de la fotografía y de lo que posteriormente buscaré en fotografía.
Alejado del mero registro de un momento, Wall vuelve poderosa la imagen en la medida en que la manipula, en la medida en que introduce la ficción y requiere ante los ojos de quien observa, interpretación. Es ésto lo que llamo el poder narrativo de una imagen, y es ello lo que, la convierte en una pieza de arte. Me arriesgaré a decir que, mientras más certera sean esas narrativas en relación al medio que se utiliza para ponerlas en circulación, mayor calidad. Suena sencillito, pero no lo es.
No suelo utilizar frases textuales, pero frente a la definición de su trabajo caigo rendida ante la precisión de las palabras de Wall: …“Yo entiendo la fotografía como una imagen obtenida a través de una técnica que hace visible el movimiento en el momento de su desaparición. Esta observación metafísica y quizá quisquillosa sugiere que una fotografía o una imagen es un acontecimiento que tiene lugar através de la desaparición de algo. Esta desaparición produce aberturas en las cuales se pueden averiguar los motivos. Todo lo que puedo construir para estructurar mi obra aspira a esta abertura.”
Te interesaba que te nombrara fotógrafos que salieran del registro para adquirir una nueva connotación. Mis imprescindibles parten de esta base y trabajan diferentes líneas narrativas por medio de la fotografía. A partir de todos ellos es que adoro la fotografía.
Jean Marc Bustamante, Hans Peter Feldman, Martin Parr, Wolfgang Tillmans, Jean-Louis Garnell, Gregory Crewdson, Andreas Gursky, Larry Sultan, Rineke Dijkstra, Nan Goldin, Richard Avedon son, el resto de los nombres que te envié.
(la foto de arriba es de Martin Parr)
13.8.09
basic landscape (o mi primera lección con bob ross)
http://www.bobross.com/howto3.cfm?type=Landscape&Page=BasicLandscape2
de la serie: yo pinto
(ejercicios visuales acerca de la relación entre arte y vida)
21.7.09
deambulando a través de un paisaje
Lo encontré mientras caminábamos, apoyado a uno de los contenedores de basura ubicados cerca de casa. Llevaba un tiempo esperando este encuentro, y como es usual, la cosas que me hacen feliz llegan en el momento adecuado; el menos esperado. Amor a primera vista.
Más lo contemplo, más me gusta. Una pieza al más puro estilo Bob Ross y del cual soy la más fan. Es la pintura de un paisaje y debo decir que, reconozco destreza. Nunca fui una alumna destacada. Las clases de pintura no eran lo mío pero hacía el intento. Antes de entrar a la universidad tomaba clases de pintura con Camila, una amiga de mi padre. Yo era con diferencia la más joven, rodeada de señoras de buen vivir, pasaba algunas tardes a la semana después del colegio, pintando bodegones y paisajes. Años después, me dediqué a pintar paisajes de jardines para conseguir dinero. Apoyada esta vez por mi madre, logramos ubicar varios en las casas de sus amigas. Con la ingenuidad típica de la edad, yo no estaba muy de acuerdo con la idea de pintar por encargo, pero por suerte ya lo he superado. Siempre paisaje, nunca figura humana, no tengo ningún tipo de empatía con el temita pictórico de “la carne”. Y si de pintura y paisaje se trata, "El Columpio" de Jean-Honoré Fragonard, es uno de mis cuadros favoritos. En mi taller del barrio Bellavista pasé horas pintando una copia solo por mi obsesión por aprender a pintar árboles, por utilizar el pincel ultra fino, por los detalles y por trabajar pegada a un pequeño bastidor. El cuadro que encontré el domingo pasado, es el hermano pobre de "El Columpio", pero igualmente, lo trae a mi memoria. La riqueza del color, los diferentes planos de visión, la luz y sombra y los fabulosos detalles de la composición, hacen de Fragonard uno de mis pintores fetiches. Al otro, no puedo nombrarlo, no posee firma, no hay autor, y lo agradezco ya que detesto la “marca” sobre la imagen, tanto, como las etiquetas visibles en la ropa. Diré también que Jean-Honoré Fragonard, al igual que Warhol, la lectura oficial lo indica como pintor frívolo, lectura evidente si hablamos del estilo Rococó. Pero Fragonard rompe con la pintura institucional para introducirse en un mundo más íntimo: la melancolía, el interés por la vida cotidiana, la anécdota trivial, el humor, el erotismo. Fragonard lo hace mejor que nadie, de manera elegante y minuciosa aborda el reflejo pictórico de una sociedad frivolizada. Estamos hablando del siglo XVIII, pero sin hacer muchos esfuerzos, veremos que estos conceptos están hoy, más vigentes que nunca. A raíz de un nuevo proyecto, hemos pasado días conversando acerca de la noción de deambular, de nuestro interés por prestar atención a todo aquello que encuentras en ese tránsito. Trabajar con lo cotidiano, pero también con el error, con la torpeza, y con el encuentro fortuito. Hemos hablado de lo íntimo, lo cotidiano, lo privado. Y hablamos del humor, de reír de todo, pero principalmente de reírnos de nosotros mismos.
Deambulando encontré una pintura sin autor, deambulando recordé a Fragonard. Una nueva pieza en mi colección. Una nueva coincidencia. Un nuevo encuentro. Un nuevo detalle. Y un nuevo domingo cualquiera.
14.7.09
#3_christo and jeanne-claude
toulouse, francia, septiembre 2009
de la serie: yo interpreto
(ejercicios visuales acerca de la relación entre arte y vida)
30.6.09
por amor al arte
El verano ha traído a unos buenos amigos a mi ciudad. De Melina destaco su deliciosa manera de pensar y de expresar. De Guatón puedo decir, que hace mi vida más feliz cuando lo tengo cerca. Y con Paula disfruto de una relación de entrega absoluta, de palabras y mejor aún, de gestos.
Hemos hecho unos días de playa estupendos. Metidas en el mar, Paula me dice que adora la sensación de flotar y recuerdo que a mí también me fascina. Entonces, me he pasado flotando todos estos días en el mar, mirando el cielo y pensando constantemente en el amor.
De vez en cuando, tendida en la arena quiero leer. Y ando cargando con un libro de entrevistas a distintos coleccionistas de arte contemporáneo, más, tres revistas de moda muy, muy femeninas.
Y gasto mi tiempo flotando en el mar y pensando en construir. Quiero poseer una colección. Quiero que la primera pieza sea muy especial. Quiero adquirir pensando en el porqué y que ese porqué tenga relación con el anterior y con el posterior. Quiero darle un sentido y una narrativa a mi propia idea. Quiero poseer objetos que con el tiempo vayan adquiriendo otro tipo de sentidos. Quiero construir algo hoy, que perdure a través del tiempo, incluso cuando yo ya no esté. Quiero que lo construido hable de quien soy yo. Quiero ser una coleccionista.
Es cierto, la contemplación playera lleva mi lectura hacia otros rumbos del pensamiento. Aún no lo acabo, recién lo comienzo, pero ya vislumbro que todos coincidirán en el porqué de su colección: el amor.
Conozco las dinámicas del mercado del arte, y dejándolas de lado, diré que me apasiona pensar el arte contemporáneo desde un punto de vista emocional, simplemente porque entiendo que el arte es el reflejo más poético que puede existir acerca de la vida misma. Aún así, no valoro una pieza artística solamente por la parte emocional que le corresponda, pero me interesa que se active.
Construir una colección a través del tiempo. Adquirir piezas porque te hacen sonreír, parece ser mi opción. Podría decir que poseo una modestísima colección de arte contemporáneo, algunas piezas conmigo, otras no. A excepción de unas pocas, todas han sido realizadas por algunos de mis grandes amigos. Y ello también, tiene relación con el amor.
Pero lo cierto, es que no colecciono nada. Solo compré un par de paisajes a Jesús Cordero, “pintor primitivista” en Cuba, por 10 dólares hace unos diez años atrás. Los demás, han sido todos un regalo. Pero hace unas semanas atrás y siguiendo la estela de mi querido amigo Diego, he comprado la primera pieza de mi colección de libros infantiles con láminas desplegables en su interior. Como en el arte, en la vida, la cuestión se trata de ir construyendo. Y el amor, puede ser un buen motor para ello.
Espero por mi bien y el de mis amigos, llegar a ser algún día, una poderosa coleccionista.
9.6.09
pequeños placeres pictóricos
Como poder describir el placer de pintarme las uñas. El más alto nivel lo siento cuando me quedan “súper bien” la de los pies. El color coral (Shophisticaded Susanna) se ha convertido en mi favorito desplazando así, la hegemonía del esmalte color Rojo Intenso. Aunque el Midnight Passion (similar al color de la uva negra) me mata, sólo lo utilizo con frecuencia durante la temporada otoño-invierno. El pintalabios favorito de mi madre era de color coral y es importante para mi descubrir con estos detalles como me uno a ella.
El ritual de pintarse las uñas requiere un tiempo especial. No es una tarea sencilla. Lo primero es medir el grado de temblor de mis manos, relajada es el mejor momento para trabajar. No se puede por ningún motivo, tener algo relevante que hacer en la siguiente media hora a partir del comienzo, ya que el secado, es un paso primordial e inalterable. Media hora en la que tienes el derecho absoluto de perder el tiempo y una buena oportunidad para darle un repaso mental a mis cuestiones. Dependiendo de una serie de factores sin trascendencia, elijo si pintar la de las manos o la de los pies. Siempre me ha parecido poco elegante el exceso de maquillaje. El pincel del esmalte algunas veces me trae problemas, si no es bueno, la pincelada suele ser imperfecta, dificultando así el resultado óptimo de la superficie perfectamente lisa. La primera pincelada debe ser aplicada al centro de la uña, la segunda a la derecha y la tercera a su izquierda. El pincel debe ser presionado levemente, logrando así, cubrir la superficie con solo tres brochazos. Está completamente prohibido repasar. De los pies, el dedo gordo es el más trabajoso y el que mayor poder de concentración requiere. El dedo pequeño no es mucho más sencillo ya que el brochazo debe ser rápido, corto y certero. En las manos, el dedo anular presenta para mi alguna dificultad que no logro muy bien identificar. Los ángulos son definitivamente lo más complejo. La frecuencia de la pintura desgasta mis uñas, las ha vuelto extremadamente frágiles. Antes de dar la capa de esmalte, debo aplicar un protector de uñas translúcido, lo que hace que la operación pictórica se duplique. Aunque debo reconocer que el protector no requiere de la misma destreza que el esmalte. Mi pequeño y pictórico placer cotidiano me ha llevado a desarrollar, hoy por hoy, una importante obsesión en torno a las manos y las uñas de los otros. Es un ejercicio particular observar manos y uñas e inventar paralelismos con la personalidad de quien las lleva.
Las manos de mi padre son un recuerdo tan presente. Son las manos de quien trabaja la tierra; rugosas, ásperas, grandes. Son imperfectas. Contienen su historia que en parte también es la mía. Aparentemente no, pero mi padre cuida sus uñas, a su manera y tan distinta a la mía. Pero a él, como a mí, nos gusta perder el tiempo en ellas. Es importante para mi descubrir con estos detalles como me uno a él.
2.6.09
¿que por qué me gusta warhol?
Hoy en la librería encontré a Mar, mientras pasaba mis ojos por enésima quinta vez al libro Diarios de Andy Warhol, que nunca he comprado y no sé muy bien porque.
Después del beso de rigor, Mar se da cuenta de lo que tengo en mis manos y me pregunta con cara de medio sorpresa, medio decepción, ¿por qué te gusta Warhol?. Hace años no nos veíamos, jamás nos frecuentamos, no la conozco, no me conoce. Entonces con mi mejor sonrisa le dije que, no sabía. Fin de la conversación.
De regreso a casa no he dejado de pensar en el encuentro. En general existe una percepción frívola y banal acerca de la obra de Warhol que no me interesa discutir. El uso de la imaginería de la baja y de la contra cultura, no tiene para mi mayor interés, así como tampoco el análisis superfluo de la creación del mito. Warhol inventó el disfraz que le acomodaba para esconder tras él la profunda tristeza y melancolía que lo superaba. Lo cierto es que, la frivolidad aparente de su obra es un engaño absoluto y la categoría del Pop le queda pequeña. Es esta la conversación que me pierde, pero seguramente intuí que con Mar no llegaríamos ni por asomo a ello.
Warhol a diferencia de los artistas norteamericanos de su generación, se hizo servir de todos aquellos artilugios del personaje inventado para hacerlo obra. La idea del artista como estratega la inventa él, la manipula, la conoce, la utiliza alejándose cada vez más de aquella idea romántica del artista genio incomprendido que se mete al bolsillo para desplegar lo opuesto: una figura ultra contemporánea, inserta en una sociedad de consumo, rodeada de flashes y repleta de sin sentido. Warhol se construye sin referentes y en Andy, nada es casual. Todo este espíritu es tan bien descrito por Estrella de Diego en su Tristísimo Warhol: cadillacs, piscinas y otros síndromes moderno
Rey de la serigrafía, plebeyo del video, príncipe del Studio 54, consorte de la escritura, Warhol es de profesión publicista, y de entrada ya podemos hacer un paralelismo con el uso de los íconos ordenados en clave meramente estética. Evidentemente él tiene muy claro el valor diferencial que las cosas adquieren por el solo hecho de llevarlas al lienzo. Publicista prendido de las naturalezas muertas y de aquel género pictórico erróneamente entendido como menor; el bodegón. Retratista de su corte ( y vaya corte!), plagada de personajes que, como dice De Diego, algo de melancolía y tristeza arrastraban. Bodegones de Coca-Cola, latas Campbell’s y detergente Brillo. Resulta que al final eres un pintor clásico y el bodegón nos une Andy, hoy más que nunca.
Como me gustaría sentarme con Estrella a conversar de nuestro Andy, ella dice que su obra hace realidad muchos de sus propios sueños y hacer realidad los sueños privados es lo que cuenta, pase lo que pase con los ajenos, con los públicos. Warhol logra la perfecta unión entre la noción de consumidor y de productor. Y lo anuncia como el más complicado de los personajes, el más fascinante. Y le creo.
Vaya idiotez la mía de no responder.
15.5.09
14.5.09
escribir o morir.
Ayer ha muerto el autor de la canción que siempre he querido que suene en mi funeral. Ayer mi tobillo estaba hecho mierda, pero lo que realmente me dolía, no era físico.
Hace unos años tuve la oportunidad de estudiar con uno de los personajes que mas relevancia han tenido en mi manera de pensar la práctica artística. Hablaba más rápido de lo que pensaba, a mil por hora, sin comas ni puntos aparte, pero con total claridad. A Manel le irritaba cualquier tipo de apreciación hacia el arte que tuviera relación con la denominada “experiencia estética”.
Me esforzaba en intentar comprenderlo, sonaba todo tan complejo por lo nuevo que era para mí, pero al escucharlo histérico vomitando sus radicales sentencias en contra de los parámetros convencionales para hacer y entender el arte, percibía que él sabía muy bien de lo que hablaba. Me ha llevado mucho tiempo entender el completo significado de lo que Manel pensaba, pero con el tiempo, todo ha cobrado sentido. Pasional como pocos, su postura frente al arte, dejaba radicalmente ver también, su postura frente a la vida. Cuando hablaba de la práctica artística hablaba de compromiso, hablaba de accionar, de intervenir, de cuestionar, de exigir y de exigirse. Sin mimos, sin superficialidades, sin facilismos, y sin caramelos. El arte entendido como el lugar desde donde -primero y para empezar-, posicionarse como individuo frente al mundo, antes que artista.
Aprendí de él la importancia del lenguaje, la fuerza del discurso y la responsabilidad del artista. El arte no debe ser complaciente, el arte es una herramienta de trabajo que debe proponer universos paralelos de pensamiento y de acción. ¿Por qué esa imagen y no otra? ¿Por qué ese texto? ¿Por qué ese sonido?. Cuando se produce una imagen se genera un discurso. La responsabilidad del artista radica en generarlo pero también en las “maneras” en que logra hacerse cargo de él. La imagen producida, refleja el Yo de quien la presenta, de manera que, en éste camino nada puede ser inocente y utilizar el lenguaje jamás lo será. Sin lenguaje y sin discurso el arte para mí no tiene sentido. El placer detrás de la experiencia estética me da igual, para eso mejor, me compro la Vogue.
Recuerdo a Manel porque busco desesperadamente sentido. Recuerdo a Manel porque ha muerto Antonio Vega, el autor de aquella canción. Ambos compartían algo que acá no nombraré. Recuerdo a Manel por hacerme cargo y responsable de mi propio discurso. Recuerdo a Manel porque en esa época ya estaba muy enfermo y nunca más he vuelto a saber de él. Lo recuerdo hoy, porque pienso en mi escritura y pienso en mi vida.
Hace unos años tuve la oportunidad de estudiar con uno de los personajes que mas relevancia han tenido en mi manera de pensar la práctica artística. Hablaba más rápido de lo que pensaba, a mil por hora, sin comas ni puntos aparte, pero con total claridad. A Manel le irritaba cualquier tipo de apreciación hacia el arte que tuviera relación con la denominada “experiencia estética”.
Me esforzaba en intentar comprenderlo, sonaba todo tan complejo por lo nuevo que era para mí, pero al escucharlo histérico vomitando sus radicales sentencias en contra de los parámetros convencionales para hacer y entender el arte, percibía que él sabía muy bien de lo que hablaba. Me ha llevado mucho tiempo entender el completo significado de lo que Manel pensaba, pero con el tiempo, todo ha cobrado sentido. Pasional como pocos, su postura frente al arte, dejaba radicalmente ver también, su postura frente a la vida. Cuando hablaba de la práctica artística hablaba de compromiso, hablaba de accionar, de intervenir, de cuestionar, de exigir y de exigirse. Sin mimos, sin superficialidades, sin facilismos, y sin caramelos. El arte entendido como el lugar desde donde -primero y para empezar-, posicionarse como individuo frente al mundo, antes que artista.
Aprendí de él la importancia del lenguaje, la fuerza del discurso y la responsabilidad del artista. El arte no debe ser complaciente, el arte es una herramienta de trabajo que debe proponer universos paralelos de pensamiento y de acción. ¿Por qué esa imagen y no otra? ¿Por qué ese texto? ¿Por qué ese sonido?. Cuando se produce una imagen se genera un discurso. La responsabilidad del artista radica en generarlo pero también en las “maneras” en que logra hacerse cargo de él. La imagen producida, refleja el Yo de quien la presenta, de manera que, en éste camino nada puede ser inocente y utilizar el lenguaje jamás lo será. Sin lenguaje y sin discurso el arte para mí no tiene sentido. El placer detrás de la experiencia estética me da igual, para eso mejor, me compro la Vogue.
Recuerdo a Manel porque busco desesperadamente sentido. Recuerdo a Manel porque ha muerto Antonio Vega, el autor de aquella canción. Ambos compartían algo que acá no nombraré. Recuerdo a Manel por hacerme cargo y responsable de mi propio discurso. Recuerdo a Manel porque en esa época ya estaba muy enfermo y nunca más he vuelto a saber de él. Lo recuerdo hoy, porque pienso en mi escritura y pienso en mi vida.
5.5.09
acá es donde pierdo el tiempo
de la serie: yo pinto
(ejercicios visuales acerca de la relación entre arte y vida)
20.4.09
#1_rodrigo vergara_
Tip Top
Lápiz grafito sobre papel. 60X40 cms., 2008.
"Carpinteriando" en la apariencia de la apariencia
Conozco a un handyman. Lo cierto es que llevo años conociéndolo. Entiendo que nada es casual, por lo tanto, es con él, con quien quiero inaugurar esta nueva serie de mi blog.
Vergara es el culpable de que toda la gente que conozco, me llame Barbi. Lo que fue un irrelevante juego universitario, se ha convertido en una de las anécdotas más importante en mi vida. Nada, nuevamente, vuelve a ser casualidad.
En aquellos años nos interesaba -tanto como ahora-, el dibujo, quizás, esa fue una de las razones por la que decidiéramos especializarnos en la técnica del Grabado. Siempre llamó mi atención tu particular uso del color. Yo tenía mi propia teoría al respecto: pensaba que utilizabas las tonalidades pasteles porque eras el más fan de Los Simpson y las tonalidades eran como las de la serie. Que un tipo grandote, macizo y rucio como tú, trabajara con el rosita, el celestito y el amarillito claro fue siempre divertido. Creo recordar que para ti, la elección tenía relación con cierto tipo de arquitectura que te interesaba. Pero a mi me gustaba mi teoría, aún pienso que existía una especie de simular “al cabro chico” que de alguna manera, te pertenecía.
Comprender tu trabajo, es conocerte un tanto a ti. Muchas veces irónico, como aquellos dibujos animados que tanto te gustaban. Toda tu producción artística está acompañada de un inteligente sentido del humor, que haces parecer inocuo, pero que siempre esconde algo detrás. Y esto es algo que, nunca terminarás de develar al completo porque deambulas entre lo real y lo ficticio, jugando con todo aquello que se mueva en el extraño, abyecto y particular mundo de las apariencias. Alguna vez me enviaste un texto donde explicabas tu interés por trabajar con la doble apariencia, pienso que te referías a lo de generar una nueva apariencia a partir de la apariencia ya existente.
Y te sirves de tus anécdotas para generar obra. A diferencia de un hecho real y colectivo, la anécdota es siempre hiper personal y fácilmente manipulable según propios intereses. Me arriesgaré a decir entonces que, es la anécdota la que te permite jugar con las apariencias.
La gorra de béisbol forma parte fundamental de tu obra, porque lo fue también en tu vida, en este sentido destaco lo de tu calvicie prematura, como también tus encuentros y desencuentros, tus maneras de entretejer ciertas historias de tus “ídolos” con ciertas historias del arte contemporáneo y de repensar constantemente tu estatus de artista chileno local en un mundo global.
El proyecto Hoffmann’s House (www.hoffmannshouse.org), que ideaste y llevaste a cabo durante años junto a Cordero, era en apariencia solo una precaria vivienda social fabricada para la gente de escasos recursos en Chile y que ustedes compraron para hacerla funcionar como espacio de exhibición móvil. Lo que sucedió dentro de esas 4 frágiles y baratas paredes y que circuló por distintas plazas públicas del “Gran Santiago”, fue mucho más que una sencilla galería móvil.
La casucha, como cariñosamente la llamábamos, exponía dentro al arte más “contemporáneo” por esos días en Chile, y como una pieza de arte en sí, fue capaz de incidir en una buena cantidad de problemáticas en relación al arte chileno. Recuerdo inmejorables momentos observando como Hoffmann’s crecía con cada intervención y claro está que con ella, ustedes también lo hacían.
Lo de handyman no será casualidad tampoco, y en parte se corresponde a una de mis anécdotas de los últimos días. Imagina tú por donde. Me has llamado bucólica mientras intercambiábamos mails en relación a éste texto y me ha hecho gracia porque me conoces bien. Por lo tanto, para hacerme cargo de tu apreciación diré:
"El trabajo de Vergara hace ver lo evidente de la anécdota para desviarnos del significado verdadero de lo que estamos observando. Se presenta sencilla frente al espectador, pero en realidad exige la lectura del detalle que cobra total relevancia porque es ahí donde nuestro pastor quiere hacer jugar a su rebaño. Intentar “pillar el truco” no es lo importante. Lo realmente significativo para mí es, la capacidad de su trabajo para accionar cuestiones relevantes de carácter muchas veces universal a partir de cuestiones propias, sin un sentido aparente. Es lo que yo llamo en Arte, provocación. Como el cuchillo ensangrentado que me envió -elemento clave en nuestros años universitarios-, y que seguramente forma parte de alguna de sus anécdotas."
De la serie: YO COLABORO
(breves ejercicios en primera persona a partir del trabajo de una segunda persona)
9.4.09
mi joven amigo dj
de la serie: yo pinto
(ejercicios visuales acerca de la relación entre arte y vida)
7.4.09
las posibilidades de generar discurso
Hace tiempo que no leía manifiestos. Este lo he encontrado hace unas semanas atrás. He llegado tarde, la Trienal se inauguró hace ya unos meses. El Manifiesto no devela tantas novedades, ya que en las últimas décadas -de manera muy bestia diré- el arte se ha tornado complejo, porque el mundo se ha vuelto complejo. Sí, viene a recalcar nuevamente que, pensar la práctica artística es una medida “casi urgente” para poder entender de que hablamos cuando hablamos de arte, dejando de lado nuestros criterios de gusto y dando pie a una reflexión más caliente acerca de las especificidades y problemáticas de esta profesión. Una vez más Bourriaud, inventando nuevos términos para pensarla. Esthétique relationnelle y Post Production anteceden a Altermodern. Los dos primeros, han sido desarrollados en formato libro y el último, es el título en torno al cual se desarrolla la última Trienal en la Tate Modern. La dificultad que representa para muchos el arte de nuestros días se debe a que, es necesario conocer las problemáticas que el artista pone en circulación en la producción de su trabajo, y que finalmente se concretan en una única pieza, para poder comenzar a comprenderla. Llevamos décadas en esto, pero el relato historicista lo dejaré para otros. Mi joven amigo dj, amante acérrimo de la música en todas sus expresiones, detesta las Artes Visuales, le aburren. Discutimos acerca de ello, pero lo cierto es que no puede ser sencillo para todos, porque incluso disfrutarlo, requiere del interés en lo que hay detrás de lo que se observa. Como espectador, la inmediatez del placer provocado por una “obra de arte” debiera de ser re-entendida. El Manifiesto me parece pertinaz en la medida en que subraya las premisas con las que trabaja el arte de hoy en día, situándolo en la esfera de lo universal y lo colectivo aunque proveniente de un trabajo personal, individual y singular. En un mundo cada vez más publico, me interesa la intimidad. Y lo que de ficción y de real, en ella hay. Solo una cosa se me ocurre que el Manifiesto a dejado fuera: la capacidad del artista para prestar atención al detalle. Y el detalle es para mi, lo que hace en muchas piezas de arte, la diferencia.
Dejaré lo referente al detalle, para otra ocasión.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)
